Tout comprendre de l’aquarelle : technique, histoire, philosophie et art de vivre
Voici mes “100 et 1 questions” sur l’aquarelle.
Cette page rassemble tout ce qu’il faut savoir sur l’aquarelle : son matériel, ses techniques, mais aussi son histoire, ses grands maîtres, sa dimension philosophique. Et l’art de vivre à la française, à laquelle elle s’attache si naturellement.
Voici donc la majorité des informations, connaissances et conseils que j’aurais aimé connaitre en commençant l’aquarelle, ainsi que les principales questions que je me posais et auxquelles j’ai parfois mis longtemps à trouver une réponse. En espérant que vous y trouviez votre bonheur !
Qu'est ce que l'aquarelle ?
Définition du médium
L’aquarelle est un type de peinture à l’eau, un médium, au même titre que l’acrylique, l’huile ou encore la gouache. Sa particularité est qu’elle est en quelque sorte “déshydratée” lorsqu’on la rencontre sur les palettes de voyage, par conséquent elle s’active et s’applique avec de l’eau. D’ailleurs, si vous observez l’étymologie, “Aqua” vient du latin, qui signifie “eau”.
L’avantage principal de l’aquarelle est de pouvoir la réactiver facilement sur votre palette et qu’elle présente donc très peu de gaspillage. L’aquarelle est constituée de pigments (c’est-à-dire une substance chimique ou organique colorée), de gomme arabique (parfois aussi de gélatine et de dextrine, ou même de miel).
Qu’est-ce qu’une aquarelle en tant qu’œuvre ?
On utilise aussi le terme aquarelle pour désigner le dessin, la composition, l’œuvre, créée à partir du médium aquarelle. Une aquarelle est donc une composition artistique à part entière, avec une technique picturale qui utilise la transparence et la superposition. Vous découvrirez ici l’histoire, les diverses utilisations et défis associés.
Technique de l'aquarelle
Pour bien commencer, parlons tout d’abord : matériel, techniques, ainsi que des problèmes et solutions inhérentes à l’aquarelle.
Mais avant… Saviez-vous pourquoi l’aquarelle est difficile ?
Quels papiers aquarelle choisir ? (différentes textures et grammages)
Le choix du papier est crucial en aquarelle, car il influence directement le rendu final. Les papiers aquarelle sont disponibles en trois finitions principales : grain fin, grain torchon, et grain satiné.
Le grain fin est légèrement texturé, parfait pour les détails, tandis que le grain torchon, très texturé, donne un effet plus brut et spontané. Le grain satiné est lisse, idéal pour les travaux très détaillés mais moins absorbant.
Quant au grammage, il détermine la capacité du papier à absorber l'eau sans gondoler. Les papiers d'aquarelle commencent souvent à partir de 190 g/m², mais les plus recommandés sont ceux entre 300 g/m² et 600 g/m², offrant une meilleure stabilité.
Question souvent posée : Quel est le meilleur papier pour faire de l'aquarelle ?
On dit que le meilleur papier est en 300g/m² pour sa bonne capacité d'absorption. J'ai une préférence pour celui qui est prêt à l'emploi, déjà collé des 4 côtés. A vous de tester !
Quels Types de pinceaux choisir ? (forme, fibres naturelles vs synthétiques)
Les pinceaux en aquarelle existent dans une grande variété de formes et de tailles, chacun ayant une utilité spécifique.
Les pinceaux ronds sont les plus polyvalents, capables de créer des détails fins tout en couvrant des surfaces plus larges en fonction de la pression exercée. Les pinceaux plats sont parfaits pour les lavis et les zones larges, tandis que les pinceaux en éventail ou biseautés permettent des effets texturés.
Les poils naturels (comme le poil de martre) sont généralement considérés comme plus performants car ils retiennent mieux l’eau, mais les pinceaux synthétiques modernes offrent une excellente alternative à un coût plus abordable, tout en étant souvent plus durables.
Mon Conseil : si vous débutez, mieux vaudrait commencer par un kit de pinceaux synthétiques (de qualité, mais abordable).
Peintures aquarelles (en godets, tubes, palettes)
Les aquarelles se présentent sous deux formes principales : en godets ou en tubes. Les godets sont compacts et idéaux pour le travail en extérieur ou en voyage, tandis que les tubes contiennent une peinture plus liquide et sont mieux adaptés pour des lavis larges ou lorsque vous avez besoin de mélanger beaucoup de peinture.
Les palettes de couleurs se présentent sous diverses configurations, mais il est souvent recommandé aux débutants de commencer avec une palette limitée de couleurs afin de maîtriser les mélanges avant d'investir dans des teintes plus spécifiques.
Question souvent posée : Quelle aquarelle pour débuter ?
Démarrez tout simplement. Avec un kit d'étude de 10 à 20 godets maximum, par exemple. Les marques Lefranc & Bourgeois ou Sennelier sont parfaits pour commencer.
Eau : qualité et importance
L’eau est l’élément clé en aquarelle, mais sa qualité est souvent négligée. Une eau propre et fraîche est essentielle pour maintenir la pureté des couleurs, éviter les taches et contrôler la transparence. L'utilisation de deux récipients d'eau — l'un pour nettoyer les pinceaux, l'autre pour humidifier ou diluer la peinture — est une pratique courante chez les aquarellistes expérimentés.
De plus, la quantité d'eau que vous utilisez affecte directement l'intensité de vos couleurs et le comportement de la peinture sur le papier.
Techniques de mélange des couleurs
Maîtriser les mélanges de couleurs en aquarelle est une compétence essentielle. En raison de la transparence naturelle de ce médium, les mélanges se superposent visuellement, créant des nuances riches et complexes. Les aquarellistes doivent être attentifs aux couleurs complémentaires pour éviter des teintes "boueuses" ou ternes.
Utiliser une palette de base limitée, combinée à la technique des lavis (couches fines successives), permet de créer une large gamme de couleurs sans trop surcharger le papier. Il est également important de tester ses mélanges sur une feuille séparée avant de les appliquer sur la peinture finale.
Médiums et additifs (gomme de réserve, sel, etc.)
En aquarelle, l’utilisation d'additifs peut aider à créer des effets spéciaux. La gomme de réserve est souvent utilisée pour masquer des zones que l'on veut garder blanches ou pour créer des motifs avant d'appliquer la peinture. Le sel, lorsqu'il est saupoudré sur une couche encore humide d'aquarelle, crée des textures fascinantes en absorbant l'eau et la couleur, laissant des motifs organiques.
D'autres additifs comme l'alcool ou la cire peuvent également être utilisés pour des effets spécifiques. Cependant, il est important de maîtriser ces outils afin de ne pas perdre le contrôle sur votre composition.
Accessoires (buvard, planche à dessin, palette humide)
Les accessoires peuvent grandement faciliter le travail en aquarelle :
- Un buvard, par exemple, est indispensable pour retirer délicatement l’excès d’eau ou pour adoucir un bord trop net.
- Les planches à dessin (ou une basique planche en bois) permettent de maintenir votre papier en place, notamment lorsqu'il doit être tendu pour éviter le gondolage.
- Quel crayon avant aquarelle ? Si vous souhaitez préparer un croquis avant de peindre votre aquarelle, un simple crayon HB suffit.
- Enfin, une palette humide : utile, mais non indispensable (lorsqu'on travaille sur une œuvre complexe nécessitant plusieurs sessions). Ou, une palette en céramique à godets, qui vous permettra de réactiver vos couleurs lorsque vous revenez travailler sur votre œuvre.
Je vous offre mon guide gratuit, téléchargeable :
Quelle est la technique de l'aquarelle ? Comment faire de la peinture aquarelle ?
Il n'y a pas une, mais plusieurs techniques de l'aquarelle. Voici les principales :
Lavis simple et dégradé
Le lavis est une technique essentielle en aquarelle, utilisée pour recouvrir de larges zones de manière uniforme ou créer des dégradés.
Un lavis simple consiste à appliquer une seule couleur diluée sur une zone définie, tandis qu’un lavis dégradé implique une transition progressive de la couleur, allant d’une teinte intense à plus légère. La maîtrise du lavis est cruciale pour peindre des ciels, des paysages ou des fonds lisses.
Pour un dégradé réussi, il est important de bien doser la quantité d’eau sur le pinceau et de travailler rapidement avant que la peinture ne sèche.
Si vous souhaitez créer du relief et donc plusieurs couches, cette technique nécessite de la patience, car il faut attendre que chaque couche sèche complètement avant d’en ajouter une nouvelle. Le lavis est particulièrement utilisé pour les œuvres réalistes, car il permet de maîtriser les jeux d’ombres et de lumière.
Quelle est la technique d'aquarelle la plus basique ? La technique du mouillé sur mouillé
La technique du mouillé sur mouillé (ou humide sur humide) consiste à appliquer de la peinture sur un papier déjà humidifié, ce qui permet à la couleur de se diffuser librement et de créer des mélanges subtils et des effets diffus.
C’est une méthode particulièrement utile pour les arrière-plans, les ciels ou tout effet d’aquarelle atmosphérique. Cependant, elle nécessite une bonne maîtrise de la quantité d’eau pour éviter les auréoles ou des effets indésirables. Lorsqu'on débute, le mieux est de s’entraîner à comprendre comment la peinture réagit sur différentes humidités de papier. Expérimentez, faites des essais, des erreurs... c'est ainsi qu'on apprend le mieux ! 😉
Mouillé sur sec (effet plus défini)
Contrairement au mouillé sur mouillé, la technique du mouillé sur sec (ou humide sur sec) consiste à appliquer de la peinture humide sur un papier sec, ce qui permet des contours plus nets et des détails plus définis.
Cette technique est idéale pour peindre des objets précis ou des éléments du premier plan qui doivent se détacher clairement du reste de la composition. Le contrôle du pinceau et de la dilution est essentiel pour obtenir des effets réguliers.
Techniques de granulation et textures
La granulation est un effet propre à certaines peintures aquarelles, où les pigments se regroupent pour créer une texture granuleuse. Ce phénomène se produit souvent avec des pigments lourds ou minéraux comme le bleu outremer ou le violet de cobalt.
Pour accentuer cet effet, on peut utiliser du papier à grain rugueux ou travailler sur des surfaces très humides. En plus de la granulation naturelle, des objets comme du film plastique, du papier absorbant ou même une éponge peuvent être utilisés pour créer des textures intéressantes.
Pourquoi mettre du sel sur une aquarelle ?
Le sel est extrêmement intéressant à travailler en lâcher-prise pour donner des effets texturés à votre projet. Le seul conseil à vous donner est : testez !
Et si vous souhaitez aller plus loin dans la symbolique du sel, je vous invite à découvrir mon article sur le sujet : L'eau en aquarelle : symbolique, émotions, sérénité.
Gestion des bordures ("hard edges" vs "soft edges")
L'une des compétences les plus complexes en aquarelle est de gérer les bordures des formes peintes. Une bordure nette ("hard edge") se forme lorsque la peinture sèche rapidement, tandis qu'une bordure floue ("soft edge") se produit lorsque la peinture est encore humide et se diffuse doucement.
Les artistes expérimentés jouent souvent avec ces deux effets pour créer des contrastes et des transitions subtiles. Pour les bordures douces, il est important de travailler sur un papier légèrement humide ou d'utiliser une technique de dégradé.
Retrait de peinture et effets de lumière
Le retrait de peinture est une technique souvent utilisée pour créer des effets de lumière ou corriger des erreurs. On peut retirer de la peinture en utilisant une éponge, un chiffon sec ou un pinceau propre et humide. Ce processus fonctionne mieux lorsque la peinture est encore humide, mais il est aussi possible d'utiliser un couteau de peintre pour gratter légèrement une fois la peinture sèche. Cette technique est couramment employée pour créer des zones de lumière ou des reflets dans une scène aquatique, par exemple.
Questions Bonus pour aller plus loin :
Quelle est la technique d'aquarelle la plus couramment utilisée ?
Il se dit que c'est la technique du humide sur sec qui est la plus utilisé de toutes.
Quelles sont les techniques pour bien peindre à l'aquarelle ?
Une des astuces les plus puissantes pour donner de la valeur et de la profondeur à votre peinture est d'apprendre à utiliser des techniques avancées : voici un Guide complet pour Donner du relief à votre aquarelle. Bonne lecture !
Comment puis-je progresser à l'aquarelle ? S'inspirer des grands maîtres de l'Art et de l'aquarelle :
Pour progresser en aquarelle, pas de secret, il faut chercher à décrypter les découvertes et connaissances de ceux qui ont, justement, percé ces secrets avant vous. Les copier, s'imprégner de leur pensée, de leur art, de leur savoir. Comprendre leur contexte, leur culture est un élément très important aussi, car il donne du sens. Rien n'est dû au hasard. (Pensez "micro" et "macro" : prenez la loupe et l'avion !)
Parmi les plus grands artistes, on retrouve évidemment Léonard De Vinci, qui n'était pas seulement peintre, mais un talentueux polymathe, un génie de son temps, capable de lier intelligemment les domaines entre eux (Art et Sciences) au lieu de les mettre en confrontation. En peinture, son approche de la lumière et des ombres, ainsi que leur application technique est révolutionnaire. Etudiez sa manière de faire des fondus, les couches translucides de peinture (précieuses en aquarelle), le sfumato. Toute sa technique est extraordinaire et précieuse. C'est un pionnier, un visionnaire, qui ouvre la voie à de nombreux progrès...
Aquarelle abstraite
L'aquarelle abstraite permet aux artistes de se concentrer sur les formes, les couleurs et les textures sans se soucier de représenter des objets réels. Cette forme d’expression met l'accent sur la spontanéité et l'improvisation, des qualités amplifiées par les propriétés imprévisibles de l'aquarelle.
Les techniques comme le mouillé sur mouillé, l’ajout de sel ou l'utilisation de médiums peuvent contribuer à créer des effets aléatoires qui enrichissent l'abstraction.
Aquarelle réaliste et hyperréaliste
L’aquarelle réaliste requiert une maîtrise parfaite des techniques comme les lavis, les détails précis, et une gestion experte des bordures et des ombres. Les artistes réalistes utilisent souvent des couleurs naturelles et travaillent avec des palettes limitées pour recréer fidèlement ce qu’ils voient.
L’hyperréalisme va encore plus loin, capturant des détails minutieux et une précision photographique qui donnent l’impression que l’œuvre est une photographie.
Paysages à l’aquarelle
Les paysages sont l’un des sujets les plus populaires en aquarelle, en grande partie en raison des qualités atmosphériques du médium. Les aquarellistes peuvent facilement capturer les effets subtils de lumière, les ciels changeants et les reflets dans l’eau.
Le lavis est souvent utilisé pour les ciels et les grandes étendues, tandis que les techniques plus détaillées sont réservées aux éléments de premier plan comme les arbres, les rochers ou les bâtiments.
Portraits et figures humaines
Les portraits à l’aquarelle nécessitent un équilibre délicat entre transparence et contrôle des détails. Les lavis sont souvent utilisés pour construire progressivement les tons de peau et les ombres, tandis que les détails fins sont réalisés avec des pinceaux pointus et une technique de mouillé sur sec. L'aquarelle permet de capturer la lumière de manière unique, ajoutant de la douceur et de la vivacité aux portraits humains.
Nature morte à l’aquarelle
Les natures mortes offrent aux artistes une opportunité de pratiquer l’observation minutieuse tout en explorant la texture et la couleur. Les objets inanimés comme les fruits, les fleurs, ou les objets du quotidien offrent une grande variété de surfaces (lisses, rugueuses, mates, brillantes) qui peuvent être capturées avec des techniques spécifiques comme le lavis, le mouillé sur mouillé ou les superpositions.
Aquarelle botanique
L’aquarelle botanique est une discipline ancienne qui requiert une attention extrême aux détails et à la précision. Les artistes botanistes utilisent généralement des pinceaux très fins pour rendre fidèlement les structures délicates des plantes et des fleurs. Cette forme artistique est souvent utilisée à des fins scientifiques, mais elle reste aussi très appréciée pour sa beauté esthétique.
Découvrez un artiste qui a révolutionné l'aquarelle :
Croquis urbains (urban sketching) à l’aquarelle
Le croquis urbain à l’aquarelle, ou "urban sketching", est devenu très populaire ces dernières années. Il combine l’aquarelle avec le croquis sur le vif, souvent dans des carnets de croquis, pour capturer l'essence des villes et des lieux de manière spontanée. Cette pratique met en valeur la rapidité et la fluidité de l'aquarelle, permettant aux artistes de saisir l’atmosphère d’une scène en quelques coups de pinceau seulement.
Le renouveau de l’aquarelle dans l’art contemporain
L'aquarelle connaît un véritable renouveau dans l'art contemporain, grâce à des artistes qui repoussent ses limites. Ce médium est de plus en plus utilisé dans des installations, des performances artistiques et des œuvres multimédias. Les artistes explorent de nouveaux supports, comme des toiles ou des papiers non traditionnels, et des techniques modernes pour réinventer l'aquarelle. L'utilisation d’outils numériques pour simuler l’aquarelle est également en hausse.
L’aquarelle dans le design graphique et l’illustration
De nombreux designers et illustrateurs utilisent l'aquarelle pour ajouter une touche organique et fluide à leurs créations. Que ce soit dans la mode, le packaging ou les illustrations de livres, l'aquarelle apporte une sensation de fraîcheur et de légèreté qui contraste avec les médias numériques. L'utilisation d'aquarelles numériques, créées à l'aide de tablettes graphiques et de logiciels spécialisés, permet également d'incorporer cet effet dans des projets commerciaux tout en gardant la flexibilité du digital.
Dans le milieu de la décoration intérieure, l'aquarelle est particulièrement intéressante. Elle donne très facilement une touche raffinée, élégante et intemporelle à un intérieur.
Comment éviter les auréoles et taches d’eau
Les auréoles, ou "cauliflowers" en anglais, se forment lorsque de l’eau ou une peinture trop diluée s’accumule sur un papier presque sec.
Pour les éviter, il est important de garder une humidité uniforme sur le papier tout au long du processus. Utiliser moins d’eau dans votre pinceau et travailler rapidement aide également à éviter ces marques.
Une autre astuce consiste à utiliser du papier aquarelle de bonne qualité, qui absorbe l’eau de manière plus homogène.
Que faire si le papier gondole ?
Le papier aquarelle peut gondoler lorsqu’il est trop mouillé, surtout si le grammage est inférieur à 300 g/m².
Pour éviter ce problème, il est recommandé de tendre le papier avant de peindre, c'est-à-dire de le fixer sur une planche après l'avoir humidifié. Si le papier gondole pendant la peinture, il est possible de redresser la feuille en la séchant uniformément sous un poids, comme des livres, ou en utilisant un fer à repasser doux avec une serviette pour protéger la surface.
Mélanger les bonnes couleurs pour éviter les teintes boueuses
Les couleurs "boueuses" apparaissent souvent lorsque des couleurs complémentaires (comme le rouge et le vert) se mélangent de manière incontrôlée.
Pour éviter cela, il est important de comprendre la "roue" des couleurs et de toujours tester vos mélanges avant de les appliquer sur le papier. Une palette de base avec des couleurs primaires bien choisies vous permet de contrôler vos mélanges avec plus de précision.
Comment réparer une erreur en aquarelle
Corriger une erreur en aquarelle peut être délicat, car le médium est transparent. Si la peinture est encore humide, il est possible d’absorber l’excès avec un chiffon propre ou un pinceau sec. Si la peinture est sèche, des techniques comme le grattage léger ou l'utilisation d'une "gomme magique" peuvent permettre d'enlever une partie de la peinture.
Cependant, la prévention reste la meilleure solution : travailler de manière progressive et tester les couleurs avant de les appliquer réduit les risques d'erreur.
Gérer les dégradés trop brusques
Un dégradé trop brusque peut casser l’harmonie d’une peinture. Pour obtenir des transitions fluides, il est essentiel de bien doser l’eau sur le pinceau et de travailler rapidement.
Une astuce consiste à mouiller légèrement la zone où vous souhaitez que les couleurs se mélangent, puis de laisser la peinture diffuser naturellement. Si le dégradé est déjà trop marqué, il est possible de le corriger en utilisant un pinceau humide propre pour adoucir les bords et réactiver la peinture.
Séchage trop rapide : astuces pour contrôler l’humidité
Le séchage trop rapide est un problème fréquent, surtout dans des environnements secs ou chauds.
Pour contrôler l'humidité, vous pouvez humidifier légèrement l’air autour de votre zone de travail (en utilisant un vaporisateur) ou travailler par sections en utilisant une palette humide pour garder la peinture fluide plus longtemps. Une autre solution est d'utiliser des papiers aquarelle plus épais, qui retiennent mieux l'eau et permettent de travailler plus lentement.
Question souvent posée : Pourquoi l'aquarelle est difficile ?
On trouve de nombreuses ressources tentant de faire passer la pratique de l’aquarelle pour une pratique facile à prendre en main et à maitriser. Laissez-moi être franche avec vous… ce n’est pas tout à fait le cas : l’aquarelle est un médium réputé plus difficile que l’acrylique ou l’huile.
Mais, après tout, est-ce bien une raison pour se décourager ? Non, absolument pas ! Alors autant être au clair sur ce qui vous attend afin de relever vos manches de la meilleure manière qui soit. Prêt à en découdre ? Si vous aimez les défis, vous êtes (...)
Comment choisir son premier set d’aquarelle ? Comment utiliser les aquarelles pour les débutants ?
Pour les débutants, il est recommandé de commencer avec un set de base comprenant quelques couleurs primaires et secondaires. Cela permet d’apprendre à mélanger les couleurs plutôt que de s’appuyer sur une palette trop large.
Les godets sont souvent préférés car ils sont plus faciles à gérer et à transporter, mais les tubes offrent plus de flexibilité pour les lavis larges. Quand aux marques, des options comme Winsor & Newton ou Sennelier sont accessibles tout en offrant une bonne qualité.
Comment débuter à l'aquarelle ? Exercices simples pour débuter
Les débutants peuvent commencer par des exercices simples comme le lavis dégradé, où l’on applique une couleur diluée qui s’estompe progressivement, ou encore des cercles concentriques pour s'entraîner à contrôler la transparence de la peinture.
Un autre exercice utile consiste à peindre des bandes de couleurs pour s'exercer au mélange progressif des teintes sur le papier. Cela vous permet aussi de créer vos nuanciers.
Pourquoi l’aquarelle fait-elle peur aux débutants ?Comprendre la transparence et l’opacité en aquarelle
L’une des caractéristiques principales de l’aquarelle est sa transparence. Cela signifie que les couleurs se superposent, laissant voir les couches en dessous. Comprendre cette transparence est essentiel pour créer de la profondeur et des nuances subtiles dans une peinture. Il est aussi possible de jouer sur l’opacité en appliquant plus de pigment ou en utilisant des couleurs moins diluées. Certaines peintures aquarelle contiennent également des pigments plus opaques, comme les blancs ou certains jaunes.
Projets faciles pour se familiariser avec la technique
Un bon projet pour débuter est de peindre une feuille d’arbre ou une fleur en utilisant la technique du mouillé sur sec pour les détails et le mouillé sur mouillé pour les ombrages. Cela permet d’expérimenter différentes textures sans se sentir submergé. Un autre projet simple consiste à peindre un coucher de soleil, en se concentrant sur le dégradé de couleurs et l’ajout progressif de détails une fois la peinture sèche.
Débuter avec le croquis avant l’aquarelle
Beaucoup d’aquarellistes commencent par esquisser leur sujet au crayon avant d’appliquer la peinture. Cela permet de mieux planifier la composition et de ne pas perdre le contrôle une fois l’aquarelle appliquée.
Utiliser un crayon à mine légère (comme un HB) permet de tracer des lignes fines qui ne seront pas trop visibles sous la peinture. Le croquis préalable est particulièrement utile pour des sujets complexes comme les portraits ou les paysages détaillés.
Quelles sont les 3 grandes caractéristiques de l'aquarelle ?
1ère caractéristique : sa transparence (...) : Consulter l'article complet : Les trois grandes caractéristiques de l'aquarelle : Ma fiche technique.
(Je ne développerai pas outre mesure cette section, car beaucoup de ressources existent déjà en la matière et vous trouverez très facilement des vidéos et autres tutoriels pour vous aider en parcourant le web.)
L'aquarelle : toute une histoire !
L’histoire de l’aquarelle est tellement fascinante ! Lorsqu’on plonge dedans, on n’en ressort jamais indemne (ni trempé d’ailleurs, heureusement !).
L’aquarelle a su se faire une place de choix au fil du temps. J’ai découvert un fait très intéressant : l’aquarelle réapparait toujours dans les moments clés de changements : lorsque l’art ressent le besoin de revenir à plus de spontanéité, de légèreté et de vérité. Elle accompagne souvent aussi les grandes transitions artistiques, peut-être également la vôtre, qui sait ?
1 - Les origines
L’aquarelle a une longue histoire qui remonte au Paléolithique. A l’Antiquité, elle était utilisée par les Égyptiens pour illustrer des papyrus. Ensuite, ce sont les moines enlumineurs qui ont pris le relais au Moyen-Age…
Pour en savoir plus, je vous invite à découvrir mon article sur les origines de l’aquarelle. Bonne lecture !
2 - Les grands maitres
Léonard de Vinci
Peut-on parler d’aquarelle sans faire un tour par la Renaissance et parler de notre fameux Léonard ? En toute subjectivité, je ne crois pas ! (et je vais vous le prouver !)
Ce grand monsieur ne peut pas être classé parmi les artistes aquarellistes, cependant il a largement contribué à ses prémices plus modernes : Léonard de Vinci utilisait déjà les lavis et la sanguine pour ses croquis préliminaires.
Il est, par ailleurs, à l’origine de la technique du sfumato utilisée en peinture à l’huile. Ce même jeu de couches de transparence et de fondus qui, appliqué à l’aquarelle a le don d’enrichir naturellement une œuvre en y donnant à la fois douceur et profondeur. Alors… convaincu(e) ?
Albrecht Dürer
Pendant la Renaissance, les artistes comme Albrecht Dürer ont utilisé l’aquarelle pour réaliser des croquis précis et détaillés, souvent issus de ses observations de la nature et ses voyages. Car il ne faut pas oublier que l’aquarelle aime particulièrement voyager.
C’est à ce moment-là, et grâce à Dürer, qu’elle a vraiment commencé à être prise au sérieux…
Cependant, c’est au 18e siècle que l’aquarelle a véritablement pris son envol en tant que médium à part entière en Europe, notamment en Angleterre. Les aquarellistes britanniques comme J.M.W. Turner ont poussé ce médium à de nouveaux sommets, exploitant ses qualités atmosphériques pour capturer la lumière et la couleur des paysages.
William Turner : son influence sur l'aquarelle moderne
J.M.W. Turner est sans doute l’artiste le plus célèbre pour ses aquarelles. Il a révolutionné l’usage de ce médium, en créant des œuvres d’une grande liberté et d’une expressivité inédite.
Ses paysages maritimes et ses ciels tourmentés ont influencé non seulement les aquarellistes contemporains, mais aussi les peintres impressionnistes qui ont suivi. Turner a démontré que l’aquarelle pouvait rivaliser avec la peinture à l’huile en termes de profondeur et de puissance émotionnelle.
C’était un peintre réputé pour son côté très introverti et qui, pourtant, avait une personnalité très affirmée…
Aujourd’hui encore, les œuvres inspirées par cette lumière trouvent naturellement leur place dans des intérieurs sensibles et lumineux.
Cézanne et l'aquarelle
Saviez-vous que Cézanne, bien plus connu pour ses œuvres à l’huile, a aussi exploré l’aquarelle ?
L’aquarelle de Cézanne dévoile sa vision unique de la nature : un art entre structure, lumière et modernité. Un art résolument ancré dans la Provence, soit dit en passant…
Antoine de Saint-Exupery et l'aquarelle
Je m’en voudrais si je n’ajoutais pas à ce petit tour d’horizon, les aquarelles de l’aviateur et non moins philosophe, Antoine De Saint-Exupéry. Le Petit Prince, ce chef d’œuvre si poétique et merveilleux a été illustré par les aquarelles de l’auteur.
Un magnifique prolongement de sa pensée et de son âme d’artiste, car, vous le savez : “on ne voit bien qu’avec le cœur, l’essentiel est invisible pour les yeux“…
Artistes contemporains influents dans l'aquarelle
Aujourd’hui, l’aquarelle est toujours un médium vibrant avec des artistes de renommée internationale comme Thomas Schaller, une figure majeure du réalisme architectural, ou Alvaro Castagnet, qui crée des œuvres puissantes et pleines de mouvement.
Ces artistes contemporains repoussent les limites de l’aquarelle en explorant de nouvelles techniques et en intégrant des influences modernes, tout en gardant l’essence du médium.
3 - L'aquarelle et les mouvements artistiques majeurs
L’aquarelle a joué un rôle dans plusieurs mouvements artistiques majeurs.
Les romantiques comme Turner et Caspar David Friedrich ont utilisé l’aquarelle pour capturer l’émotion et la majesté de la nature.
Plus tard, les impressionnistes, notamment Claude Monet, ont expérimenté avec l’aquarelle pour créer des études préparatoires et des œuvres finies.
Ce médium a permis aux artistes de saisir la lumière et les effets atmosphériques d’une manière directe et immédiate, ce qui correspondait parfaitement à l’esthétique impressionniste.
Aujourd’hui encore l’aquarelle, née d’un désir de capturer le réel avec sincérité, garde résolument toute sa modernité et sa pertinence, précisément parce qu’elle offre ce que notre époque recherche le plus : une émotion vraie, immédiate et surtout, profondément humaine.
Si vous peignez, c’est dans ce bel héritage européen que vous vous inscrivez… tout en traçant votre propre chemin, avec vos pinceaux, et votre propre héritage.
Tout cela se marie tellement bien avec nos intérieurs doux et lumineux… plus encore lorsqu’on est originaire d’un si beau département comme le mien : la Drôme, le plus beau pays du monde… Un endroit unique, inégalable.
L'aquarelle : une philosophie lumineuse
L’aquarelle peut devenir bien plus qu’une simple pratique artistique. En réalité, tout démarre par une toute petite étincelle : l’émerveillement ! Cette magnifique inclinaison du coeur dont sont dotés si naturellement les enfants.
L’aquarelle est profondément liée au geste, à la matière, à l’eau, à la lenteur. A la lumière… L’aquarelle contemporaine relie tout. C’est une façon de voir le monde, une philosophie de vie.
Peindre c’est, souvent, faire le choix de la lenteur face à l’instantanéité. Le choix de la matière là où abonde le numérique. Celui de la profondeur plutôt que la superficialité. En résumé, un parti-pris.
L’aquarelle : une philosophie de la profondeur
Au delà des modes éphémères, l’aquarelle contient une force intemporelle. Peindre à l’aquarelle, ce n’est donc pas seulement apprendre une technique. C’est apprendre à dialoguer avec l’eau.
L’eau est au cœur même de l’aquarelle. Elle semble paisible lorsqu’elle glisse sur le papier. Elle s’étale en silence, diffuse la couleur, adoucit discrètement les contours. Pourtant, c’est elle qui décide du rythme, de la fusion des pigments, des transparences et parfois même des accidents heureux.
Comme le dit l’expression : « il faut se méfier de l’eau qui dort. » ! En aquarelle, l’eau calme n’est jamais inactive. Elle est bel et bien vivante. Et elle travaille en profondeur.
La transparence comme école de sincérité
L’aquarelle est un art de la transparence. Elle ne masque pas : elle révèle.
Pour autant, transparence ne signifie pas que tout reste en surface… Car, les couches se superposent en laissant apparaître ce qui se trouve dessous. La lumière vient du papier lui-même. Rien n’est totalement effaçable.
Cette transparence impose une forme d’honnêteté artistique. On ne peut pas tricher longtemps avec l’aquarelle. Cette exigence développe une compétence précieuse : observer avant d’agir. Regarder la lumière, sans détourner les yeux. Comprendre les valeurs. Respirer avant de poser le pinceau.
L’aquarelle apprend la patience et la précision. Elle demande une certaine conscience, une combinaison harmonieuse entre clarté d’intention, maîtrise du geste, acceptation de l’imperfection. Un beau voyage pour (ré)apprendre à être soi (car, de toute façon, comme le dit si bien l’expression consacrée, « les autres sont déjà pris » !).
Le lâcher-prise face à l’imprévisible
Et pourtant, malgré toute la technique, l’eau garde une part d’indépendance.
Un pigment fuse plus loin que prévu. Une auréole apparaît. Une couleur se diffuse avec une douceur inattendue. Il se pourrait que ce soit là aussi que l’aquarelle devient philosophie.
On peut guider l’eau, mais jamais la contrôler totalement. Peindre à l’aquarelle, c’est accepter cette part d’inconnu. Cette relation subtile entre maîtrise et abandon développe la confiance, l’adaptabilité, la capacité à transformer l’imprévu en richesse insoupçonnée. Ah ! cette créativité : l’art de souffler la vie, là où tout semblait perdu. L’eau ne dort peut-être pas tant que ça finalement…
Une profondeur silencieuse
L’aquarelle peut sembler fragile comparée à l’huile ou à l’acrylique. Elle paraît légère, presque discrète. Et pourtant, elle exige une grande force intérieure. Elle me fait un peu penser à l’image de l’iceberg, dont on ne voit que 10%…
Elle demande du calme, de la concentration, une présence attentive. Elle valorise l’économie de moyens, la suggestion plutôt que l’excès.
Comme ces personnalités silencieuses qui observent longuement avant de parler, vous en connaissez sûrement, de ces taciturnes introvertis. Ainsi est l’aquarelle : elle révèle sa puissance dans la retenue. Il faut décidément se méfier de l’eau qui dort…
Ce n’est pas seulement un médium artistique. C’est une école de regard… et parfois aussi une école de la vie. C’est précisément dans les félures que passe le mieux la lumière…
Et puisqu'il s'agit de prendre le temps... Prenons l'exemple parlant de Antoine De Saint Exupéry :
On s'en pose des questions lorsqu'on peint, lorsqu'on crée, lorsqu'on reprend après des années... Lorsqu'on doute en silence...
Voici mon petit coup de pouce créatif, spécialement concocté pour vous aider, si toutefois vous en aviez besoin :
Comment trouver son style en aquarelle ? Comment trouver l'inspiration ?
Pistes de réflexion pour trouver l'inspiration pour vos projets ou séries d'aquarelles :
- Lire, lire, et encore lire...!
- Voyager ! Absorbez la culture, les senteurs, les saveurs, les paysages, les musiques, les ambiances, la nature... Ne vous pressez pas !
- S'ennuyer... Si vous souhaitez en savoir plus sur "Les vertus de l'ennui" sur notre créativité et notre cerveau... un petit podcast à écouter !
- Créer son propre carnet d’inspiration en aquarelle. Le médium de l'aquarelle s'y prête particulièrement.
- Prendre des photos (d'ambiance, de gens, de paysages, d'objets... sur le vif).
- Suggestions pour trouver l'inspiration : "Comment créer une belle aquarelle" : Petit indice : se connecter à ce qui nous parle et nous fait vibrer...
- Suivre des artistes aquarellistes (ou non) sur Instagram ou YouTube. Et copier pour s'entrainer... (oui oui, pour démarrer tout le monde passe par là, aucune honte à ça!). Le piège à éviter, toutefois : vous comparer ! ( Vous connaissez probablement l'adage : "Soyez vous-même, les autres sont déjà pris!")
- Les Défis artistiques mensuels Instagram pour progresser, si vous aimez ça.
Comment réveiller l'artiste en vous... et cette si précieuse créativité ?
- Prenez le temps ! En réfléchissant à votre identité artistique, votre propre histoire, vos influences etc... beaucoup de choses vont se réveiller, se révéler... ne vous mettez pas la pression. Parfois, il faut simplement laisser certaines choses nous traverser... puis les déposer en lieu sûr. Les joies, les peines, les épreuves, les victoires, les limites... en un mot, notre humanité.
- Avec toutes ces émotions, votre histoire, vos diverses collections, faites votre propre mixe, de manière authentique, avec vos impressions, vos influences, vos souvenirs...
- laissez macérer, mijoter, mariner, infuser et il en ressortira votre propre recette, avec votre propre cœur, votre propre voix. Toujours, tout est là.
- Ensuite, une série pourrait bien voir le jour. Laissez-vous le temps d'évoluer avec elle. Tant que l'inspiration est là, créez avec elle...
Peut-être que, ce qu'il faut retenir, c'est que créer de l'art n'offre pas un statut, il révèle une vocation... votre passion, votre profondeur artistique.
L'Aquarelle : un Art de vivre
Habiter le monde en artiste
Créer n’est pas seulement produire des œuvres. C’est une manière d’être au monde. Peindre à l’aquarelle, c’est apprendre à vivre avec délicatesse.
Dans un monde rapide, saturé, bruyant, l’art devient un espace de respiration. Un ralentissement. Un regard plus attentif, plus dense. C’est aussi le plaisir de prendre le temps de vivre et s’imprégner de la lumière : celle du Sud de la France…! (peut-être même parfois un peu de farniente, pourquoi pas… quand on y arrive !)
Cet art de vivre artistique repose pour moi sur quatre fondations : ralentir, habiter un lieu, cultiver l’intériorité et transmettre le regard.
1 - Ralentir
La lenteur comme posture créative
L’aquarelle ne supporte pas la précipitation. Elle demande de l’attention, du silence, du temps, du calme. Ralentir ne signifie pas être improductif. Ralentir signifie habiter pleinement l’instant (un peu comme les enfants !).
Dans la pratique artistique, la lenteur est en réalité un espace très précieux. Elle permet :
. d’observer avant d’agir,
. de laisser sécher avant d’intervenir,
. d’accepter l’imprévu,
. de respecter le rythme du vivant.
Autant le dire… cette lenteur devient une école intérieure pour qui n’est pas patient. Il faut ranger au placard sa propre impulsivité et adopter la maîtrise de soi. Tout un art… Cependant, le bénéfice est inestimable, car la lenteur transforme la manière de regarder le monde. Elle nous apprend que tout ne se décide pas dans l’urgence, et que ce qui est précieux ne se trouve pas forcément là où on l’attendait.
Une petite infusion ?
Créer, c’est parfois attendre que la lumière soit juste. C’est accepter qu’une œuvre mûrisse. C’est comprendre que la profondeur naît du temps. Tout comme les saisons, ou une bonne tasse de thé (si vous aimez ça – pas moi !).
Dans cette lenteur assumée se construit une liberté rare : celle de ne pas céder à la pression extérieure. Celle d’une réelle écoute. Ce luxe qu’il faut savoir s’offrir de temps en temps…
2 - Habiter un lieu
La lumière du Sud comme source d’inspiration
Un artiste n’est jamais hors sol. Il est traversé par un territoire, ancré dans un paysage.
Je vis et crée dans le Sud, dans ma belle Drôme, ma palette est ici, dans ce bel écosystème. Entre lumière éclatante et nuances subtiles, entre saisons contrastées et paysages qui invitent au silence et à la contemplation. Ici, la lumière ne tombe pas seulement sur les choses : elle les révèle.
Peindre dans cet environnement influence profondément ma palette, mes contrastes, mes respirations… ma vie, tout simplement. Tout comme cela peut être le cas pour vous, dans votre propre domaine d’expertise, ou dans votre propre lieu de vie.
Les saisons aussi modifient les couleurs :
. L’hiver apporte une douceur feutrée et de magnifiques crêtes enneigées : là-haut, dans le Vercors.
. L’été est d’une intensité presque vibrante. La Drôme provençale et ses superbes champs de lavandes, Grignan, les marchés,…
. Le printemps – ma saison préférée – réveille des transparences nouvelles, des fleurs et des senteurs à profusion. Entre champs, jardins et vergers, l’éclosion des fleurs de cerisiers, d’amandiers, d’abricotiers, de poiriers, de pêchers… Un vrai régal pour les yeux et une belle promesse pour les papilles !
Habiter un lieu, c’est accepter qu’il nous façonne. Et qu’il nous révèle, aussi.
L’aquarelle, par sa transparence, est particulièrement sensible à cette lumière. Elle ne masque pas : elle laisse passer. Elle accueille. Elle suggère.
Un héritage inestimable
Créer en lien avec un territoire, c’est inscrire son travail dans une continuité, dans un héritage singulier, unique. Et qui crée, forcément, une signature artistique tout aussi particulière. Née d’une infusion…
Le plus beau dans tout cela, c’est que cette unicité se trouve en chaque être humain : Chacun a sa propre recette, votre vécu est en capacité de libérer un doux parfum de grande valeur. Car, au fond, la vie n’a pas de prix, l’essentiel est là.
Voyager pour mieux revenir !
Les racines prennent d’autant plus de valeur lorsqu’on a le plaisir d’explorer ce qui se passe ailleurs, n’est-ce pas ?
C’est ce qui donne toute sa raison d’être à ma rubrique “Voyage artistique“, qui est aussi une des composantes essentielles de mon inspiration. Et en hommage à l’aquarelle qui est une grande voyageuse… la nomade par excellence !
3 - Cultiver l'intériorité
Nous voici arrivé au cœur du sujet ! Tout démarre ici.
Si vous êtes artiste, c’est donc l’endroit sacré qui est à la fois source et moteur de votre créativité. Votre vulnérabilité (les fêlures), qu’il faudra protéger, et qui pourtant laisse passer la lumière et une certaine résonnance avec ceux qui vont être touché par votre art. L’idée sera donc d’apprendre à trouver l’équilibre entre tous ces mouvements et l’ouverture que vous souhaitez offrir ou au contraire garder pour vous.
Il y a aussi plusieurs timings à envisager : celui de la maturation, de la réflexion, celui de la créativité. Puis vient le temps du partage. Toutes les fenêtres n’ont pas vocation à être ouvertes, même si la vue est magnifique. Tout n’a pas besoin d’être expliqué, ni justifié. Comme le disait si bien Turner « Work is everything », c’est assez libérateur !
Si vous êtes spectateur, venez en douceur et avec clarté : la force de l’artiste est en même temps aussi sa grande faiblesse (sa zone de vulnérabilité). Le temps est donc toujours un allié. Et comme pour une jolie fleur, toute éclosion se respecte, pas de précipitation. L’avantage de la clarté et de prendre le temps, c’est qu’il permet de poser des bases saines, une maturation et un regard qui s’affine pour mieux saisir les nuances.
Pour chaque intériorité, celle de l’artiste ou celle du spectateur, l’essentiel est là : acuité rime avec respect.
4 - Transmettre : un art du partage
Transmettre : Un des plus beaux mots qui existent sur cette Terre !
Alors, prenons l’exemple de l’encyclopédie. Son but ne se limite pas à informer. Elle cherche à expliquer (rendre les choses compréhensibles), à éduquer (transmettre un savoir fiable), à former l’esprit critique, et à donner une vision globale du monde.
C’est un outil d’émancipation intellectuelle : plus on comprend, plus on devient libre dans sa pensée.
Et pourtant, une tension existe : le savoir est infini, tandis que notre temps ne l’est pas. De cette limite nait une frustration, mais aussi une nécessité : celle de trouver des stratégies pour étancher sa soif d’apprendre, tout en trouvant des ressources fiables et de qualité. Choisir, discerner, s’orienter. Le savoir a donc une immense valeur. (et une bibliothèque, tout autant !)
Une vision du monde
Ce qui rend la transmission si précieuse, c’est qu’elle échappe aux logiques habituelles. Car, en réalité, cette valeur profite à celui qui la reçoit sans l’enlever à celui qui l’offre. Au contraire, elle circule, elle se transforme, elle s’enrichit. On devient “passeur” de connaissances (le plus magnifique, c’est de voir s’allumer des ampoules dans les yeux des enfants !).
Offrir du savoir, même gratuitement, devient alors une véritable manière d’habiter le monde.
Apprendre ne relève pas uniquement de la pédagogie ou de spécialistes, aussi essentiels, précieux et appréciés soient-ils. C’est un mouvement plus vaste, presque organique et holistique. Une dynamique vivante, où l’intelligence ne se limite pas à des mécanismes, mais s’inscrit dans une réalité complexe, sensible et profondément humaine.
En art, transmettre ne consiste donc pas seulement à partager une technique, ou même une esthétique, ce serait réducteur. C’est aussi, et peut-être surtout, transmettre une intention, un regard, une manière d’être au monde. Et surtout, oser continuer à la chercher patiemment, si elle ne s’est pas encore révélée.
S’émanciper… oser penser par soi-même et créer sans chercher à plaire
C’est là que se situe la différence avec une encyclopédie classique : ici, en art, il ne s’agit pas de se poser en expert, mais en explorateur. En chercheur. Quelqu’un qui avance, qui doute, qui découvre… et qui partage en chemin. Car, de toute façon, personne ne peut se targuer de tout savoir, chacun a donc sa place sur ce beau sentier.
Et dans cette démarche, une chose devient essentielle : la curiosité. Une curiosité sincère, vivante, qui reste sans doute l’un des plus beaux moteurs pour apprendre, créer, s’approprier… et transmettre à son tour.
Infuser puis diffuser !